1、色彩作为绘画艺术重要的表现形式，其地位和重要性随着历史的发展逐渐加强。因此，若想深入了解色彩的属性，探讨其蕴含的文化语言，就要从色彩的载体颜料开始。一、传统色彩的认知新域传统色彩即古代绘画所用的色彩有着悠久的历史，它是经典作品的构成者，也是辉煌文化的传承者。对待传统色彩，笔者认为可以从两个维度加以分析：一是材料，二是手法。此外，早期中西文明对色彩在取材、运用上的差异造就了不同的绘画风格，对后来的艺术及其理论的发展影响深远。1.早期人类文明对色彩的运用色彩源于自然，而早期色彩的载体颜料同样源于自然。我国先民很早就已熟练掌握植物取色、物质借色等方法。如棕色，我国先民用栗子壳、花生皮等材料染棕；古印
2、度人使用儿茶染棕，当加入铁作为媒染剂时，可以得到橄榄棕；而印第安人则用黑胡桃染出近似黑色的深棕 1。到了新石器时代，火的发现和使用，促进了人类对自然物质转化的探索和使用。如，各种沉积的土木附在陶坯表面，经火的灼烧呈现出不同的陶纹和色彩，故而彩陶应运而生。以中国的彩陶为例，我国先民用赤铁矿粉，即赭石、氧化锰等作为呈色元素，在陶坯的表面描绘图案，经窑火烧制成赭红、黑色等颜色的彩陶。这是人类较早使用化学方法创造和使用色彩的记录 2。上古时期，陶器因人们生活运用方面的需求，往往更注重器型，而在器型上的装饰性图案和红、黑等色彩慢慢引起人类对色彩的感知。到了后期，颜色的渲染在一定程度上甚至超过了功能的重要
3、性。夏商周时期，陶器上的色彩开始丰富起来。战国、秦汉时期出土了大量以彩绘云雷纹和涡纹为主要特色的陶器；东汉时期出现了黄褐色低温铅釉；唐代陶器辉煌璀璨，唐三彩的釉彩有黄、绿、蓝、白、紫、褐等色，其绚丽斑斓的艺术效果在中国陶瓷史上留下了浓墨重彩的一笔；宋、金、元时期的陶器更富民族色彩，有以海棠、菱形、四方等为装饰的陶器，体现出对前人的继承和发展。2.中国传统绘画中的色彩中国壁画的起源可以追溯到黄帝时代。其颜料的取材大部分来源于自然，主要分为矿物颜料和植物颜料，两者经过特定的处理手法，加工、提纯后就成了绘画创作的重要媒介。用这种方式得来的颜料色彩古朴清新，自然淡雅。如，蓝色在中国传统色彩中的使用已有
4、逾三千年的历史。古代汉语中，“蓝”字原非颜色词，其本义是指一种可染布帛的植物，即蓝草。其后，“蓝”字演变成颜色的代名词，进而引申为一种色系。如，中国颜色 中就记载了庞大、系统的蓝色体系，包含靛蓝、吴须蓝、青花蓝、湛蓝、群青、石青、景泰蓝、绀色、孔雀蓝、琉璃蓝、阴丹士林、霁色、天青、缥色、秘色等。不同颜料的配方不尽相同，它们的存在极大地增强了传统绘画的表现力。传统色彩的设色手法对色彩的最终呈现作用巨大。在传统绘画中，设色的方法大体可分为三种：水墨、浅绛和重彩。其中，水墨根据墨色的深浅将黑分为“五色”，即焦（最黑）、浓（次黑）、重、淡（灰色）、清（淡灰）。在水墨作品中，浓淡墨代替了色彩，用以表现物
5、体的明暗、远近和色调。浅绛又名淡彩，或称“轻着色”。这类设色作品多画在生宣纸或半熟宣纸上，常用藤黄、花責、胭脂、曙红、赭石等色，其特征是笔墨水韵，基本上依靠墨色表现形体，墨色上足后淡染色彩，画面色调比较单纯，擅长表现中国文化中特有的清新、淡雅的审美意境。重彩，或称“大着色”，指用石青、石绿、石黄、朱砂、胭脂、铅粉、泥金等颜料，在熟绢或熟宣纸上用勾填的方法，以勾勒为基础而后填色，或以彩笔取代墨笔直接挥抒。这类作品往往色彩艳丽，富丽辉煌。重彩在中国画早期阶段占有重要位置。但随着文人画的勃兴，恬淡幽雅、潇散空灵的格调意境逐步占据上风，重彩开始受到冷落，其地位不如水墨和浅绛。直至近代，受西方绘画艺术的
6、影响，人们的艺术认知、评价标准发生了变化，这为重彩的繁荣和复兴提供了有利的契机。3.西方传统绘画中的色彩西方绘画早期对色彩的探索不如我国。无论是古风时期的破译属性 玩转色彩探索当下色彩实践教学新模式易岚岚摘要：色彩是构成绘画的基本要素之一。在漫长的古典绘画史中，色彩通常作为媒介存在于绘画作品中，是形式的重要组成部分；在当代艺术中，色彩的重要性被突出了，有些甚至可以独立成为作品的主题。该文作者通过梳理色彩运用的历史，从传统到现代，从生产到运用，横向对比中外艺术发展中色彩的异同，并立足当下，服务高校艺术教学，以期为色彩课程的创新提供助力。关键词：色彩 文化现象 教学2 2美术时空A R TE D
7、U C A T I O NR E S E A R C H彩陶、希腊化时代的古墓壁画，还是古罗马早期的镶嵌画，其色彩都偏重于还原人体、动物本身的颜色和客体在光影下的明暗变化，用以体现对象的真实感、立体感和空间的层次感。古罗马的风景画对自然色彩的运用略显单调，但已经能够通过色彩渐变表现客体的光影细节，这为后来西方绘画理论的形成和发展奠定了基础。到了文艺复兴时期，油画艺术趋于成熟，色彩与构图、形体一起，被用于探索更好、更理性的画面，使作品拥有既富个性又不失和谐的视觉效果。真正的突破出现在1 6 世纪中叶，牛顿通过棱镜光谱实验，为现代光学奠定了理论基础。人们发现色彩与光之间的联系色彩因光而存在，它是不
8、同折射率的光线反射在物体表面造成的视觉传达效果。自此，基督教的色彩观开始让位于日益演进的科学色彩观，一些印象派画家以此为理论，在观察过程中发展出诸多色彩的运用方法，如物体暗部互补色的应用、投影部分蓝紫色调的运用等。艺术家根据光线的变化而赋色，用小的鲜艳色块表现温度的变化，以此捕捉室外景色生动的光感 3。到了印象派后期，艺术家对色彩的运用更加随心所欲，如，凡?高、高更等开始探索用于表达主观情绪的个人主义的色彩。到了1 9 世纪，随着装饰艺术等流派的兴起，色彩的重要性进一步增强。得益于当时在光学、色彩等领域的一些科学发现，一种实用的色彩模式开始出现，标准的色环被发明，一些色彩理论被沿用至今。4.传
9、统色彩的局限传统色彩对艺术的贡献不言而喻，不论是东方还是西方，艺术家对色彩的运用都秉持“艺术源于生活而高于生活”的至理真言，将生活中的颜色经过再创造，变成画面中定格的直观视觉因素，传递直接的观赏感受。色彩是绘画的语言，不同的色彩组合产生了不同的美感。中西方传统绘画艺术中的色彩差异、色彩组合的差异代表了不同民族的传统文化，体现出不同的审美情趣。不可否认的是，在艺术表达中，色彩的重要性虽然增强，甚至形成了系统的色彩理论，但仍有一定程度的局限性。如，色彩仅作为绘画表达的一种媒材，与线条、构图等形式共同构成了内容，但色彩尚未被单独作为独立构成的艺术品。也就是说，艺术家研究色彩的目的和手法，仍然是将色彩
10、当作物体的一种可被观察到的外在属性，结合光学理论，进行对客观现实的还原、塑造和表现这一情况持续至2 0 世纪现代艺术的出现。二、了解色彩，理解色彩现代艺术又称现代派艺术，往往很难有一个准确的定义。但大致来说，被称为“现代主义”或“现代派”的艺术，是指2 0 世纪以来区别于传统、带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称，主要包括野兽主义、立体主义、未来主义、表现主义、俄国至上主义与构成主义、荷兰风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等 4。由于种类繁多且不尽相同，文章不再一一赘述各派风格的差异。但不同的流派仍有一些共同特征，即现代派艺术家不再局限于古典美术在形式和内容上的束缚，旨在
11、打破常规、标新立异，从性质、样貌这些基本的元素开始，寻找并激活色彩本身的原始特性。色彩作为独立媒介、多元化表达方式的途径崭新的认知被打开。1.现代艺术与色彩的转译密码在1 9 世纪末至2 0 世纪初的色彩实验中，艺术家开始探索色彩作为纯粹而实在的存在。当艺术形式的纯粹化、抽象化被用于色彩，一系列前卫、纯粹的色彩作品应运而生。在色彩的构成中，以点、线、面及色彩等组构的方式形成一系列画面，是破解绘画中色块密码的基本手法。在这群人中，荷兰艺术家蒙德里安和美国艺术家马克?罗斯科的贡献最为卓越，并被大众熟知。（1）蒙德里安的三原色与点线面作为几何抽象画派的先驱，蒙德里安在1 9 1 3 年开始了对色彩的
12、实验。在蒙德里安的艺术理论中，他强调作品的“纯粹实在”和“纯粹造型”，从而使造型表现手法简单，形状和色彩保持相对的平衡与统一。1 9 1 7 年，色彩平面构成?三号 是蒙德里安第一幅真正意义上以“新造型主义”表现方式创作的作品。这幅作品中完全不见任何自然的外在形式，留下的是色块（和）矩形，仅凭形式与色彩的相互作用在画面上形成画面主体，从而营造了一种和谐之感。1 9 2 1年，蒙德里安发表了题为 造型艺术与纯粹造型艺术 的文章，标志着其抽象派艺术理论的确立，而他多次提到的“抽象艺术的首要和基本的规律是艺术的平衡”这一原则在同一时期的作品中被付诸实践。如作品 红、黄、蓝的构成，颜色与节奏感凌驾于几
13、何结构之上，线条超出了画布的界限，视觉上有向外延伸的效果；除线条本身比以往更粗，颜色也从黑色改为蓝灰色外，画面着重凸显了红、黄、蓝、黑色块，而且饱和度更高，画面更明亮，以此体现色彩的稳定与平衡。（2）罗斯科的矩形色块马克?罗斯科的人生曲折起伏，而他在现代艺术界地位的确立要到2 0 世纪9 0 年代，并伴随着其理论著作 艺术哲学：艺术家的真实（2 0 0 4）的整理出版达到了巅峰。罗斯科的早期创作受抽象主义的影响，并未跳脱自然形象的束缚。直至1 9 4 9 年，他放弃既有的造型习惯，开始画一些大幅矩形作品，这些作品画面单纯，色彩重叠，边缘模糊，将其艺术事业推向了顶峰。这些作品对色调的运用独具匠心
14、，艺术家通常自己调颜色，再在未打底色的画布上，如剧院道具设计师一般，先薄涂一层已混合着颜色的固着剂，然后涂上油彩，上彩的范围还包括没有框架的边缘部分。在这“三度空间”的底色上，罗斯科运用混合色重复薄涂颜料，这一过程为他的画作带来了透明和明亮的效果，每一层颜色都运用了非常淡而快速的笔触，色彩的边缘交界处透露着朦胧之美。罗斯科作品的色彩是具有象征意义的。他探索了多层色彩变换的可能性，提升了色彩在情感表现方面的强度，使作品拥有类似奏鸣曲般的感染力。2.跟随大师玩转色彩如果说现代艺术艺术家喜欢颜色、喜欢色彩，那么这种基本和常见的转译方法就是通过解构色彩、重构色彩，从而带来新的2 3颜色体验感。到了当代
15、，艺术家已经不再满足于架上艺术相对固定的表现形式，而是乐此不疲地探索色彩在公共艺术、装置艺术、场景表演等跨界领域的表现力，并收获了不少卓越的成果。澳大利亚艺术家贝特森在其 重叠的黑色线形结构 I，I I，I I I（2 0 1 7）中，尝试用一种“黑色”阐述事实或者自己的认知，画面平面式的黑色直铺充斥着一种浓厚的压迫感。威尔玛?塔巴科在代表作 试飞1-6 中，用金箔作为媒材进行系列创作。作为金属色系的艺术作品，该作品画面颜色单一，色系统一，基本以棕、灰、银色的色块拼凑，将形状的想象、构成的无限完美地结合。丹麦公共艺术家埃利亚松擅长通过对光影的掌控表达色彩，他在装置艺术作品 一种颜色的空间（1
16、9 9 7）中，表现了黄色单频灯这一表达手法的魅力。在只有单一黄光的房间内，观众能够看到有色彩的物品，而当黄色灯光消失后，观众能看到的色彩范围缩小到只有白色和黑色。这种打破常理的视觉反差带给观众看事物的全新角度，表现了更为丰富多彩的世界。三、认识色彩，玩转色彩在漫长的色彩发展史中，无论是历史由来还是中外分说，色彩的自然生发和人工创作都给人们的生活带来了重要的影响。有了前人的经验，辅以当代艺术家的不断努力，色彩在当今的艺术领域呈现出举足轻重的影响力。在当下的艺术类基础课程中，艺术教育工作者需要设计出新的教学方案，让学生领悟色彩构成在学习和艺术创作中的重要性。1.观色彩，认色彩色彩通过点、线、面的无限组合，呈现出极简和构成的错落感、层次感。要想深刻理解和熟练表达，首先要对色彩的基本分类和属性有清晰明了的认知。对于色彩的分类，可以通过该色彩是隶属于无彩色系还是有彩色系加以区分。值得注意的是，无彩色并不一定意味着没有颜色，黑、白、灰三色都隶属于无彩色系。黑、白、灰是一种特殊的三色，运用好坏与它们的配色有直接关系。除黑、白、灰三色外，其余的色彩都属于有彩色系。分清色彩的色系之后，就可以对现有的色
